Para mí, […] una sola fotografía […] debe contar varias historias a las diferentes personas que la miran.
Josef Koudelka
Hoy en día, todos, al menos una vez en la vida (pero probablemente docenas, si no cientos de veces), hemos pulsado el disparador de una cámara o de nuestro smartphone para capturar un momento importante que imprimir, enmarcar o almacenar en la memoria del teléfono. Nunca antes la fotografía había sido una práctica tan cotidiana para millones de personas en todo el mundo, y sin duda tú formas parte de ese nutrido grupo. Pero cuando haces una foto, ¿estás seguro de que lo haces de la forma correcta?
Detrás de este gesto aparentemente sencillo y banal se esconden siglos de historia y experimentación científica para fijar una imagen en un soporte físico o digital, así como décadas de investigación artística para definir las reglas que hacen que las imágenes que captamos sean estéticamente agradables y estén llenas de significado.
Pero, ¿cuáles son los fundamentos del arte de la fotografía? ¿Cuáles son las reglas de la buena fotografía? En esta nueva Superguía Superprof, exploramos el mundo de la fotografía para conocer todos los secretos de este arte.
Antes de meternos de lleno en el tema y para despertar un poco tu curiosidad, te proponemos hacer nuestro test para ver cuánto sabes de fotografía y leer algunas anécdotas sobre el arte de la fotografía que probablemente no conocías 😉:
Lo primero es lo primero: ¿qué es la fotografía?
Cuando uno se interesa por un tema, es importante sobre todo definirlo con la mayor precisión posible. Veamos cómo se define la palabra "Fotografía" según la RAE:
- f. Procedimiento o técnica que permite obtener imágenes fijas de la realidad mediante la acción de la luz sobre una superficie sensible o sobre un sensor.
- f. Imagen obtenida por medio de la fotografía.
- f. Estudio de fotografía.
- f. Representación o descripción de gran exactitud.
Es evidente que el término tiene una doble connotación, pues indica tanto el objeto obtenido como el proceso de obtención del mismo, así como todas las prácticas artísticas y técnicas que acompañan a este proceso.
Desde un punto de vista técnico, la fotografía es un proceso que se ha desarrollado a lo largo del tiempo. Convencionalmente, situamos su nacimiento en 1826, año en que el ingeniero francés Nicéphore Niépce tomó la primera fotografía de la historia, "Point de vue du Gras", aunque, por supuesto, siglos de investigación y experimentación precedieron a este resultado.
Si te interesa explorar más sobre los orígenes de la fotografía y su evolución, te dejamos el podcast "Orígenes de la Fotografía" en el que se habla desde la época en que Leonardo Da Vinci empezó a probar la cámara oscura, hasta la Segunda Guerra Mundial donde la fotografía comenzó su expansión exponencial.
Pero volvamos a nosotros: ¿qué es una cámara y cómo funciona? Una cámara es básicamente una caja cerrada, con la excepción de una pequeña abertura que deja pasar la luz durante cierto tiempo. Esta abertura está controlada por un componente llamado "obturador", que se abre y se cierra para regular la cantidad de luz que llega a la película o al sensor.
La luz reflejada por un objeto o sujeto es filtrada por los objetivos de la cámara, que la dirigen a la película (que reacciona químicamente a la luz y graba la imagen) o al sensor (que convierte la imagen en señales eléctricas). Así es como se obtiene una fotografía.
Los principales tipos de cámaras disponibles en el mercado
Sin embargo, no todas las cámaras funcionan de la misma manera. En este artículo no nos ocuparemos de la fotografía analógica, sino que nos centraremos en las cámaras digitales. Hoy en día existen cuatro tipos principales:
Reflex o DSLR (Digital Single Lens Reflex):
El nombre de estas cámaras de objetivos intercambiables proviene del hecho de que su sistema consiste en un espejo inclinado hacia arriba a 45 grados, lo que permite al usuario mirar a través del visor óptico de la cámara para hacer fotos. Es el tipo de cámara preferido por los fotógrafos, aunque con el paso de los años la diferencia con las cámaras sin espejo se ha ido estrechando cada vez más.
Precio : De 250 a >5000 euros (para una calidad aceptable, es mejor no bajar de 500 euros).
Mirrorless:
Categoría de cámaras digitales con objetivos intercambiables que, a diferencia de las réflex, no tienen espejo entre el objetivo y el sensor, por lo que se denominan "sin espejo".
Precio : De 250 a >5000 euros (para una calidad aceptable, es mejor no bajar de 500 euros).
Compacts:
Se trata de cámaras no modulares (o de objetivo fijo) de menor tamaño, pero que suelen incluir un conjunto de accesorios más completo que los dos modelos anteriores.
Precio : Desde 100 euros para los modelos más económicos hasta 1.000 euros para los modelos más profesionales.
También existe un cuarto tipo, llamado Bridge, que, como su nombre indica, pretende "tender un puente" entre las cámaras réflex y las compactas, pero no hablaremos de ellas en este artículo debido a su limitada distribución (tras gozar de cierto éxito a principios de la década de 2000, están desapareciendo poco a poco, y hoy en día hay menos de 10 modelos en el mercado).
Otra distinción importante es la que existe entre las cámaras réflex/mirrorless, que son modulares (el cuerpo de la cámara se puede separar del objetivo, que, por tanto, se puede sustituir), y las cámaras compactas, que tienen un objetivo fijo pero son más ligeras y fáciles de transportar.
El tipo de cámara que te conviene depende de tus necesidades: si aspiras a hacer fotografía a un nivel semiprofesional o profesional, sin duda necesitarás la calidad y precisión de una réflex/Mirrorless. Si, por el contrario, buscas una cámara pequeña que puedas llevarte de viaje, que no ocupe demasiado espacio y que sea fácil de usar, deberías optar por una cámara compacta.
Captar la luz: los fundamentos técnicos de la fotografía
Vayamos ahora al meollo de la cuestión y analicemos los fundamentos técnicos de la fotografía, prestando especial atención a conceptos clave como el triángulo de exposición y el balance de blancos.
El triángulo de exposición
Desde un punto de vista puramente técnico, si realmente queremos reducir el arte de la fotografía a lo esencial, podemos decir que a la hora de hacer una foto hay que tener en cuenta tres aspectos fundamentales: el diafragma, el tiempo de exposición y los valores ISO. Estos tres elementos se conocen como el "triángulo de la exposición", porque determinan la cantidad de luz captada por el sistema óptico de la cámara.
La mayoría de las cámaras del mercado son capaces de ajustar automáticamente estos tres valores en función de la luminosidad del entorno, pero muchos modelos también permiten un ajuste semiautomático, en el que el fotógrafo puede definir un valor y la cámara ajusta los otros dos en consecuencia, o manual, que da libertad al fotógrafo para ajustar los tres valores según sus preferencias. Este último modo es más arriesgado y requiere cierta práctica, pero ofrece mayor libertad y precisión, sobre todo cuando se requieren efectos especiales.
La apertura del diafragma
El diafragma es un anillo de láminas móviles situado en el interior de los objetivos de las cámaras. Cuanto más se abre este anillo, más luz pasa a través del objetivo y es captada por el sensor, y viceversa.
El valor de apertura del diafragma suele indicarse con la letra f. Sin embargo, tenga en cuenta que el número que acompaña a esta letra no se refiere al diámetro de la abertura en el anillo, sino a la relación entre la distancia focal y la abertura.
Valores de apertura del diafragma
Los valores típicos para la apertura del diafragma son los siguientes:
f/1 - f/1.4 - f/2 - f/2.8 - f/4 - f/5.6 - f/8 - f/11 - f/16 - f/22 - f/32, ecc...
Al pasar de un valor de diafragma al siguiente o al anterior en la escala mostrada arriba, la intensidad de la luz que llega al sensor se duplica o se reduce a la mitad.
Sin complicar más las cosas, basta con saber que, al tratarse de fracciones, los valores están "invertidos" respecto a lo que podría pensarse: en la escala mencionada, f/1 indica el valor máximo de apertura del diafragma, mientras que f/32 indica el valor máximo cerrado.
Por último, es importante recordar que la apertura del diafragma también determina la profundidad de campo, es decir, la extensión de la zona en la que los objetos aparecen nítidos y enfocados. La profundidad de campo es inversamente proporcional a la apertura del diafragma: con un valor de f/1, la cámara captará mucha luz, pero el fondo aparecerá borroso; por el contrario, con un valor de f/32, necesitarás una buena iluminación exterior (este valor se utiliza sobre todo para fotos tomadas a plena luz del día), pero todos los elementos de la fotografía aparecerán nítidos.
Tiempos de exposición
El segundo elemento que determina la exposición de una foto es el tiempo de exposición, es decir, el tiempo que el obturador de la cámara permanece abierto, dejando pasar la luz.
En las cámaras, los tiempos inferiores a un segundo se indican en fracciones o simplemente mediante el valor del segundo elemento de la fracción (por ejemplo, un tiempo de una dosmilésima de segundo se indicará mediante "1/2000" o simplemente "2000"), mientras que los iguales o superiores a un segundo se indican mediante un número entero (por ejemplo, un segundo se indicará mediante "1").
Valor ISO: la sensibilidad de la cámara
Originalmente, este valor se refería a la sensibilidad de la película a la luz. Los distintos tipos de película tenían sensibilidades diferentes, indicadas por valores crecientes: ISO 100, ISO 200, ISO 400, etc. Estos valores no se podían cambiar: una vez cargada la película en la cámara, todas las tomas tenían la misma sensibilidad ISO.
Con la llegada de la fotografía digital, las cosas han cambiado: la mayoría de las cámaras del mercado te permiten ajustar el valor ISO a tu preferencia, si es que la propia cámara no lo hace automáticamente.
Como hemos dicho, un valor ISO más alto significa que la cámara podrá capturar más luz.
Sin embargo, como ya te habrás dado cuenta, la fotografía es un arte basado en el compromiso, y no se consigue nada sin sacrificar algo a cambio.
Aumentar la sensibilidad ISO provoca lo que se conoce como "ruido", caracterizado por la presencia de pequeñas manchas en la foto. No obstante, este efecto no siempre es indeseable: por ejemplo, si haces fotos en blanco y negro, el "ruido" puede ayudarte a conseguir un efecto más "vintage".
Luz, temperatura y balance de blancos
Como indica la etimología de la palabra "fotografía", la luz es la materia prima de los fotógrafos y, sin entrar en explicaciones científicas demasiado detalladas, es fundamental conocerla y explotarla de la forma más adecuada posible si se quieren obtener tomas de calidad.
Desde el punto de vista fotográfico, existen dos tipos de luz:
- Luz natural: su fuente es siempre la misma: ¡el sol! Sin embargo, la intensidad y los matices de esta luz varían en función de la latitud, la hora del día, las condiciones meteorológicas, los niveles de contaminación, etc. Como fotógrafos, no tenemos ningún control sobre la luz natural, sólo podemos estudiarla y aprender a utilizarla a nuestro favor.
- Iluminación artificial: flash, luces LED, carteles luminosos, etc. La luz artificial puede proceder de una gran variedad de fuentes, algunas controladas por el propio fotógrafo, como un flash, mientras que otras escapan a su control, como las farolas de la calle.
La luz del sol, al igual que la luz de fuentes artificiales, cambia constantemente: tiene un color que define la temperatura de la toma. La luz del atardecer tenderá hacia tonos más anaranjados, mientras que la luz del amanecer tendrá tonos más fríos.
El balance de blancos de una cámara corrige la imagen para que los objetos blancos permanezcan blancos en la fotografía, independientemente de la temperatura de la luz. Normalmente, cuando disparamos digitalmente, la cámara equilibra automáticamente los blancos y, si no estamos contentos con el resultado, siempre podemos cambiarlo en posproducción.
En cualquier caso, no hay soluciones milagrosas: la única forma de aprender a utilizar la luz es estudiarla. Intenta hacer fotos a todas horas del día y de la noche, y concéntrate en todos los aspectos de la iluminación, como la dirección, el origen, la intensidad y la temperatura, etc.
¿Cómo hacer una buena foto?
Como cualquier forma de arte, la fotografía no puede reducirse a un conjunto de reglas. Sin embargo, conocer los principios básicos que rigen la estética de la fotografía puede darte una base sólida de la que partir: conocer las reglas te permitirá romperlas para construir tu propio estilo.
La regla de los tercios y la composición
La regla de los tercios es un principio de composición ampliamente conocido y utilizado en fotografía, pero no sólo eso: ¡este mismo principio ha sido utilizado durante siglos por los pintores!
Esta regla es muy sencilla y establece que, al componer una imagen, ésta debe dividirse en tercios tanto horizontal como verticalmente, creando cuatro puntos de intersección conocidos como "puntos fuertes". Colocando el sujeto principal o los elementos clave a lo largo de estas líneas o puntos focales, obtendrás una imagen visualmente más agradable y equilibrada.
Los principiantes a menudo tienden a colocar el sujeto de la foto en el centro exacto de la imagen, lo que da lugar a tomas demasiado planas y estáticas. En cambio, la regla de los tercios ayuda a dinamizar la imagen, ya sea una foto de paisaje, un retrato, etc.
Si fotografías un paisaje, por ejemplo, evita situar la línea del horizonte en el centro de la foto, sino alinéala con uno o dos tercios de la altura del encuadre, resaltando así la tierra o el cielo, según lo que quieras destacar en tu foto.
Si fotografías a una persona, intenta alinear los puntos de intersección obtenidos aplicando la regla de los tercios con un elemento importante de la cara o el cuerpo de la persona, como el rostro o los ojos en un primer plano.
Aplicar la regla de los tercios dará a tus fotos una mayor fuerza expresiva.
Pero no lo olvides: las reglas están para romperlas, y algunas de las fotos más bellas de la historia no respetan en absoluto esta regla de composición. Como ya hemos dicho, aprender los principios básicos que rigen la composición fotográfica también te da el privilegio de romperlos a sabiendas, cuando consideres que una imagen concreta, para transmitir el significado que le atribuyes, requiere un encuadre inusual.
Contar una historia con imágenes
Las mejores fotografías de la historia se consideran como tales no tanto porque sigan las reglas, sino porque cuentan una historia, porque tienen algo que decir sobre lo que muestran. Aunque comúnmente se considera que la fotografía es una forma de arte más "objetiva" que la pintura y otras artes visuales, en realidad la mirada del fotógrafo nunca es neutral: el fotógrafo siempre adopta una posición en relación con lo que fotografía.
Muchas fotografías nos fascinan, por ejemplo, porque nos plantean preguntas, porque nos hacen preguntarnos cómo hemos llegado a ese momento concreto, qué está ocurriendo realmente en la imagen o qué sucedió poco después de que se tomara la foto.
Cuando hagas una foto, intenta no sólo capturar un momento, sino también preguntarte por qué ese momento en concreto es tan importante, qué revela tu foto sobre ese momento y qué seguirá siendo un misterio para quienes miren tu foto sin conocer el contexto en el que fue tomada. Enriquecer tus fotos con un toque de misterio e ingenio narrativo las hará mucho más intrigantes para quienes las miren.
Las reglas para hacer una buena foto
Para recapitular lo que hemos visto hasta ahora, aquí tienes algunos consejos a tener en cuenta para mejorar la calidad de tus fotos:
- Conoce tu cámara: estudiar al detalle las funciones y ajustes de tu cámara y de los objetivos que utilizas es un requisito esencial para hacer mejores fotos. No existe una fórmula mágica: la única forma de familiarizarse con las herramientas que utilizas es practicar mucho.
- Experimenta con el triángulo de exposición: no te limites siempre a hacer fotos en modo automático, explora también el modo semiautomático o manual de tu cámara. En un evento deportivo en el que los sujetos se mueven rápidamente, por ejemplo, puede ser interesante ajustar manualmente los tiempos de exposición para periodos muy cortos y dejar que la cámara ajuste los valores de apertura e ISO en consecuencia.
- No descuides la composición: cuando tengas ocasión, estudia un poco el lugar antes de hacer la foto e intenta comprender cómo componer la imagen para darle más fuerza. Ten en cuenta la regla de los tercios para crear imágenes más equilibradas y dinámicas.
- Juega con la luz: como ya hemos dicho, la luz es la materia prima de la fotografía. Experimenta con las variaciones de la luz natural, desde la calidez de la luz solar en los días de verano hasta la luz suave y plana de los días nublados. Prueba también a utilizar fuentes de luz artificial, como lámparas o flashes, para crear efectos especiales.
- Cuenta una historia: recuerda que el objetivo del fotógrafo es siempre contar una historia a través de las imágenes. Intenta captar la esencia de la escena o el sujeto que estás fotografiando: expresiones, gestos, emociones, acciones… Antes de hacer la foto, pregúntate siempre qué es lo que te emociona especialmente de lo que ves.
- El fondo es importante: asegúrate de que el fondo es adecuado para el tipo de fotografía que quieres hacer y que no distrae demasiado del sujeto principal de la imagen. Intenta eliminar los elementos no deseados del encuadre o aprende a eliminarlos en posproducción.
- No tengas miedo a la posproducción: una vez tomada la foto, puedes utilizar programas de retoque como Adobe Lightroom o Photoshop para ajustar la exposición, el contraste, el balance de blancos y otros parámetros. Sin embargo, procura no pasarte con los retoques, ya que podrías dar a la imagen un aspecto poco natural (hablaremos más sobre la posproducción al final de este artículo).
- Exercice, exercice et encore exercice : il est bien connu que la photographie, comme la plupart des disciplines artistiques, nécessite une pratique constante. Prenez de nombreuses photos, explorez de nouvelles techniques et styles, apprenez de vos erreurs et des commentaires de vos amis et d'autres photographes. Plus vous vous entraînerez à la photographie, plus vous connaîtrez l'art photographique et vous-même, et plus vous développerez un style unique et reconnaissable.
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Los principales tipos de fotografía
Hasta ahora hemos tratado las normas generales y los consejos aplicables a cualquier género fotográfico. Ahora vamos a ver con más detalle los principales tipos de fotografía y algunos consejos a tener en cuenta si quieres fotografiar retratos, paisajes, etc…
Retrato fotográfico
Maestros del género: Julia Margaret Cameron, Steve McCurry, Annie Leibovitz, Richard Avedon, Yusuf Karsh, Arnold Newman, Pierre & Gilles, Lee Jeffries, Nirav Patel, Pamela Hanson.
Lo primero que hay que tener en cuenta al hacer un retrato es que estás mirando a una persona real, por lo que tendrás que hacer todo lo posible por tranquilizarla y ayudarla a sentirse a gusto. La comunicación y el respeto por el sujeto deben ser tu prioridad absoluta.
En cuanto a la iluminación, lo mejor es decidir de antemano si quieres utilizar luz natural o prefieres hacer retratos con luces especiales o flashes de estudio.
La luz natural tiende a crear una luz suave y favorecedora, que transmite una sensación de intimidad y realismo, mientras que la luz artificial puede utilizarse de forma más creativa, lo que da lugar a fotografías más originales.
No hay una elección correcta o incorrecta, todo depende de lo que quieras transmitir.
Para sacar lo mejor de la persona fotografiada, te recomendamos utilizar una apertura amplia (por ejemplo, f/1,4) y ajustar los tiempos de exposición y los valores ISO en consecuencia. De este modo, obtendrás una profundidad de campo menor y solo el sujeto de la foto estará enfocado, mientras que el fondo y otros elementos aparecerán difuminados.
Como verás con una rápida búsqueda en Google Imágenes, las obras de los maestros retratistas mencionados son totalmente diferentes entre sí. Intenta hacerte con una buena colección de referencias fotográficas y empieza a experimentar con tus amigos y familiares, ¡pidiéndoles que posen para ti!
Fotografiar objetos y animales
Maestros del género: David LaChapelle, Lindsay Adler, Sharad Haksar, Erwin Olaf, Francesc Guillamet, Frans Lanting, Carl Warner, Jackie Alpers, Thomas Sharan, Markus Reugels : David LaChapelle, Lindsay Adler, Sharad Haksar, Erwin Olaf, Francesc Guillamet, Frans Lanting, Carl Warner, Jackie Alpers, Thomas Sharan, Markus Reugels
Fotografiar objetos es en cierto modo más sencillo que el retrato, ya que no es necesario hacer que el sujeto de la foto se sienta cómodo ni obtener permiso para las imágenes. En cambio, es mucho más difícil transmitir emociones o contar historias a través de objetos. Cuando se trata de animales, la situación es un poco diferente, pero dependiendo de los animales que quieras fotografiar, el trabajo puede llegar a ser bastante peligroso 🐍.
Este tipo de fotografía puede dividirse en varios subgéneros:
- Naturaleza muerta: género compositivo que se originó en la pintura y se popularizó a principios del siglo XVII, antes de pasar a la fotografía. Representa objetos inanimados como frutas, flores, objetos domésticos u otros elementos decorativos. Es un género que permite trabajar en detalle la composición, la luz y las texturas de los objetos fotografiados.
- Fotografía de animales: el verdadero protagonista de este subgénero fotográfico es el reino animal. Los animales suelen fotografiarse en su hábitat natural y no en un estudio.
- Fotografía comercial: como su nombre indica, se trata de un tipo de fotografía cuyo objetivo es resaltar la belleza y las características de un producto concreto para promocionar su venta en catálogos, vallas publicitarias o redes sociales.
- Fotografía de alimentos: subcategoría de la fotografía comercial en la que los alimentos ocupan un lugar destacado. Este tipo de fotografía suele encargarse para promocionar restaurantes o crear recetarios. El objetivo del fotógrafo es pensar en la composición y utilizar la luz de forma que los platos fotografiados sean lo más apetitosos posible.
- Macrofotografía: subgénero de la fotografía que se centra en objetos y sujetos muy pequeños, como flores, insectos o pequeños detalles. Este tipo de fotografía requiere un equipo especial, como los objetivos macro.
Las obras de las categorías mencionadas difieren mucho entre sí en cuanto a intenciones, técnicas, objetivos y contenido, pero observarlas y compararlas le dará una idea más clara de las similitudes y diferencias entre estos subgéneros, y de si alguno de ellos le atrae.
Fotografía de paisaje: captar la naturaleza o las atmósferas urbanas
Maestros del género: Alex Webb, Letizia Battaglia, Dando Moriyama, Henri Cartier-Bresson, Vivian Maier, Joel Meyerowitz, Diane Arbus, Elliott Erwitt, Fred Herzog, Gordon Parks.
Otro gran género fotográfico muy popular entre artistas y aficionados es la fotografía de paisaje: este tipo de fotografía pretende captar la belleza y la grandeza de la naturaleza. Montañas, océanos, bosques, desiertos y otros paisajes naturales constituyen el núcleo de este tipo de fotografía.
El género opuesto y complementario es la fotografía urbana o arquitectónica, que, como su nombre indica, se centra más en los paisajes creados por el hombre y en la grandeza (o a veces monstruosidad) del esfuerzo humano.
Aunque tratan temas diferentes, estos dos géneros fotográficos comparten muchas características, sobre todo desde el punto de vista técnico.
Ambos requieren una cierta planificación y atención a la composición de la imagen.
Los fotógrafos de paisajes o arquitectura estudian con mucha antelación los lugares que van a fotografiar y cómo los transforma la luz a lo largo del día, para encontrar el mejor momento para resaltar todos los elementos de la imagen.
En este tipo de fotografía se tiende a utilizar una gran profundidad de campo (y, por tanto, una gran apertura) para dar nitidez a todas las zonas de la imagen, aunque siempre es posible jugar con efectos de desenfoque para resaltar determinados elementos.
Pero, ¿qué ocurre cuando no sólo se tienen en cuenta los elementos arquitectónicos de una ciudad, sino también sus habitantes?
Fotografía de calle y fotoperiodismo
Maestros del género: Alex Webb, Letizia Battaglia, Dando Moriyama, Henri Cartier-Bresson, Vivian Maier, Joel Meyerowitz, Diane Arbus, Elliott Erwitt, Fred Herzog, Gordon Parks.
La fotografía de calle es un género fotográfico que pretende captar fragmentos de la vida real y transmitir una sensación de autenticidad a quienes ven las imágenes.
Suele retratar lugares públicos de zonas urbanas como calles, plazas, parques, mercados, etc.
Más que en otros subgéneros de la fotografía, el timing es esencial en la fotografía de calle: el fotógrafo de calle es un observador atento, capaz de captar los detalles y el momento decisivo para contar una historia a través de imágenes.
Debido a la necesidad de capturar un momento preciso, puede ser una buena idea utilizar el modo manual de tu cámara o dar prioridad a la velocidad de obturación ajustándola manualmente y dejar que la cámara se encargue de los demás valores de exposición.
A la hora de practicar la fotografía callejera, también es importante prestar atención a la legislación del país en el que te encuentres, ya que no siempre está permitido fotografiar a personas en la calle sin su consentimiento, y hay lugares públicos en los que incluso está prohibido hacer fotos.
¿Es legal fotografiar a la gente en la calle?
La Ley Orgánica 1/1982 de España, relativa al derecho al honor y a la propia imagen, establece una prohibición total de fotografiar a una persona en un contexto privado y publicar dicha imagen sin su consentimiento, independientemente de los propósitos para los que se realice. La excepción a esta regla se aplica a las fotografías tomadas en eventos públicos o dirigidas a figuras públicas, en cuyo caso está permitido y no resulta en sanciones.
La posibilidad de penalización depende del contexto en el que se tome la fotografía. Es importante destacar que la ley enfatiza que la simple captura de la imagen sin autorización, ya sea publicada o no, es motivo de sanción. Por lo tanto, fotografiar a personas en la calle sin una razón justificada está estrictamente prohibido.
Pero más allá del aspecto legal, recuerda que también hay un aspecto "humano": el hecho de que puedas fotografiar a alguien en un determinado contexto no significa que esté bien hacerlo sin su consentimiento. Lo ideal sería preguntar siempre antes de hacer una foto.
Y para ampliar tus conocimientos sobre fotografía callejera, te recomendamos también dos obras imprescindibles:
Bystander: A History of Street Photography
Por Colin Westerbeck y Joel Meyerowitz
Publicado por primera vez en 1994, este libro, considerado por muchos la "Biblia" de la fotografía callejera, fue actualizado en 2007 y 2017. A través de textos e imágenes, el libro recorre la historia y los protagonistas de este género fotográfico.
Magnum Streetwise
Por Stephen McLaren
A través de las obras, ensayos y anécdotas de los grandes fotógrafos de la célebre agencia Magnum, fundada en 1947 por maestros de la fotografía como Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, este libro ofrece una visión completa de las alegrías y los retos a los que se enfrenta todo aspirante a fotógrafo callejero.
El presente y futuro de la fotografía
Como todas las disciplinas artísticas, la fotografía está fuertemente influida por los cambios históricos, sociales y tecnológicos que, sobre todo en las últimas décadas, han transformado nuestra forma de ver el mundo.
La distribución masiva de programas de edición fotográfica y, más recientemente, de inteligencia artificial capaz de crear o modificar imágenes, está cambiando profundamente los fundamentos de esta disciplina artística.
Retoque fotográfico y posproducción
Aunque algunos puristas quieren asociar la difusión del retoque fotográfico con una decadencia del arte de la fotografía, lo cierto es que la posproducción es tan antigua como la fotografía misma: basta pensar que en 1860, el fotógrafo Mathew B. Brady retocó su retrato del presidente estadounidense Abraham Lincoln mediante procesos químicos para aumentar el contraste y la luminosidad, con el fin de hacer más imponente y equilibrada la figura del presidente.
La revolución digital llevó entonces la posproducción fotográfica al siguiente nivel: programas como Adobe Photoshop, Lightroom y aplicaciones similares, utilizados inicialmente solo por profesionales del sector, están ahora al alcance de todos. Piensa que en 2012, para conseguir Photoshop CS6, tenías que pagar casi 1.000 €, mientras que hoy puedes acceder a Photoshop CC y Lightroom por una suscripción mensual de ¡12,19 €!
Estos programas dan acceso a completas herramientas que permiten, entre otras cosas, recortar imágenes, darles nitidez, difuminar determinadas zonas, corregir la textura de la piel e incluso modificar la silueta del cuerpo.
Gracias al software de retoque fotográfico, incluso una fotografía mediocre puede modificarse para convertirse en una imagen equilibrada e interesante.
Si te interesa la fotografía, aprender a utilizar programas de retoque fotográfico puede ayudarte a añadir valor a tus imágenes. Sin embargo, ten cuidado: abusar de la posproducción puede hacer que las imágenes parezcan artificiales y poner de manifiesto tus carencias en lo que a fotografía se refiere.
Fotografía e inteligencia artificial
En los últimos años, y sobre todo en los últimos meses, se ha hablado mucho de inteligencia artificial.
Un ejemplo del impacto que está teniendo en el mundo de la fotografía es MidJorney, un algoritmo de conversión de texto en imagen capaz de generar imágenes a partir de instrucciones textuales.
Basta con decirle al programa "crea una imagen realista de esta persona vestida de payaso" para obtener una imagen creíble, y las instrucciones pueden ser incluso mucho más específicas.
Si bien es cierto que estas imágenes no son realmente fotografías, también lo es que MidJourney se nutre de una vasta base de datos de imágenes que también incluye miles de millones de fotografías, y ahora estamos muy cerca del punto en el que las imágenes generadas por el programa ya no podrán distinguirse de las imágenes reales.
La última gran innovación en este ámbito es la función "Relleno generativo" introducida por Photoshop hace tan sólo unas semanas.
Se trata de una herramienta que permite a los usuarios añadir partes de imágenes a una foto, insertando fondos, objetos, personas y mucho más, dando lugar a una imagen aún más grande y totalmente creíble. Los resultados son realmente impresionantes: ¡pruébelo usted mismo y créalo!
Aunque la idea de que el arte fotográfico, y por tanto los fotógrafos, puedan ser totalmente sustituidos por la inteligencia artificial es un poco extrema y alejada de la realidad, del mismo modo que los escritores no serán sustituidos por generadores de texto como ChatGPT, también es innegable que el mundo de la fotografía está experimentando una gran revolución y que, para seguir trabajando como fotógrafo, será necesario al menos interesarse por los cambios que se están produciendo.
Aunque ciertamente no será la inteligencia artificial la que robe tu trabajo como fotógrafo, serán los fotógrafos los que sepan explotar este recurso. Nuestro consejo, por tanto, es que te mantengas siempre al día y experimentes constantemente con las últimas innovaciones tecnológicas, independientemente del ámbito artístico.
Con esto llegamos al final de nuestra guía para aspirantes a fotógrafos. Esperamos que hayas disfrutado leyéndola y que te haya dado muchas ideas, así como ganas de comprarte una cámara (si aún no lo has hecho) y empezar a hacer fotografías con conocimiento de causa. Para todo lo demás, ¡háznoslo saber en los comentarios 👇 !
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